Симфоническая музыка – доклад сообщение 7 класс

Доклад “Симфоническая музыка Г.В.Свиридова”
статья на тему

Симфоническая музыка Г. В.Свиридова

Скачать:

ВложениеРазмер
doklad_sviridov_na_konferentsiyu.docx32.06 КБ

Предварительный просмотр:

2.Музыкальные произведения Свиридова для симфонического оркестра

4.Список используемой литературы

На протяжении многовековой истории композиторы в той или иной степени вносили вклад в развитие симфонической музыки. Одним из таких деятелей искусства стал Георгий Васильевич Свиридов.

Несмотря на то, что его считают больше вокальным композитором, многие его симфонические произведения хорошо известны. Не встретишь в нашей стране человека, который никогда бы не слышал музыки из кинофильма «Время, вперед!». Это произведение и по сей день остаётся яркой заставкой программы «Время».

Музыку Свиридова любят и взрослые, и дети. В ней отражена естественная красота и искренность. Она отличается образным миром, берущими за душу интонациями и доступностью, которая покоряет слушателей. Его музыкальные произведения пронизаны патриотизмом человека, влюблённого в свою Родину. Георгий Васильевич Свиридов говорил: «Моя музыка-это лучшее, что есть во мне».

Он окончил Курскую музыкальную школу по классу фортепиано. По совету своего преподавателя Мирона Крутянского Георгий Свиридов переехал в Ленинград , где занимался по классу фортепиано у Исайи Браудо и по классу композиции у Михаила Юдина в Центральном музыкальном техникуме, который он окончил в 1936 году .

Его друг и наставник Дмитрий Дмитриевич Шостакович оказал большое влияние на становление молодого композитора. В 1965 году, когда Свиридову исполнилось пятьдесят лет, Шостакович поделился воспоминаниями о занятиях с ним в консерватории: «Он всегда поражал, просто поражал меня своим творчеством. Он отличался необыкновенной активностью. Быстро писал, очень быстро писал. На каждый, буквально каждый урок он приносил что-нибудь новое — пьесу для фортепиано, романс, песню….»

Музыкальных произведений Свиридова для симфонического оркестра

При изучении вклада Свиридова в развитие симфонической музыки, возникает необходимость в определении понятия «симфоническая музыка». Большинство толковых и музыкальных словарей определяют «симфоническую музыку» как музыку, предназначенную для исполнения симфоническим оркестром. Некоторые источники относят к этому понятию и сочинения, в которых привлекаются хор, певцы, солисты, но господствует инструментальное начало. Понятие «симфоническая музыка»распространяют и на произведения для солирующего инструмента илиинструментов и оркестра.

Жанры симфонической музыки разнообразны и включают как крупные, нередко многочастные произведения, так и миниатюры. Важнейшие жанры – симфония, увертюра (самостоятельная концертная пьеса или вступление к опере), концерт, сюита, симфоническая поэма, фантазия. К симфонической музыке могут быть причислены и оркестровые эпизоды оперы, симфонические картины, интермеццо.

Перечислим основные произведения Свиридова для симфонического оркестра: «Концерт для фортепиано с оркестром», «Три танца», сюита «Время, вперёд!», «Маленький триптих», «Музыка к памятнику павшим на Курской дуге», «Метель (музыкальные иллюстрации к повести А.С.Пушкина), «Музыка для камерного оркестра», «Поэма памяти Сергея Есенина» (для тенора, хора и симфонического оркестра), «Патетическая оратория» ( для солистов, хора и симфонического оркестра).

Рассмотрим подробнее историю создания некоторых из них. Своё первое произведение для фортепиано с оркестром Свиридовсочинил, являясь студентом Ленинградской консерватории. Этот концерт был исполнен П.А.Серебряковым в сопровождении оркестра Ленинградской филармонии под управлением Е.А. Мравинского и имел значительный успех и впоследствии не раз звучал наэстрадах Москвы, Ленинграда и других городов. Через три года композитор сделал вторую редакцию концерта, заново оркестровав его.

Сюита «Время, вперед!» была написана в 1965 году к фильму режиссера М.Швейцера по одноименному роману В. Катаева, посвященному строительству Магнитогорска. В сюите шесть частей. Первая из них — «Уральский напев» Часть эта основана на двух музыкально-тематических образованиях, как бы символизируя Урал — стык Европы и Азии. С суровой и резкой по тембру темой засурдиненных труб и тромбонов, напоминающей звучание азиатских зурн или карнаев, контрастирует мягкий хорал деревянных духовых с его чисто русским колоритом. Заключает часть произведение первой темы в строгом трехголосном изложении струнного оркестра. Вторая часть — «Частушка» — коротенький, бойкий мотив, виртуозно разработанный композитором. Беспрерывно варьируясь, он перебрасывается от одной группы инструментов к другой, в то время как рояль и тарелки имитируют непрерывно звучащий балалаечный перебор. В конце пьесы слышны как бы топот пляски и крики толпы, изображаемые глиссандо тромбонов. Третья часть — «Марш» — картина постепенно приближающегося мощного шествия. Четвертая часть — «Маленький фокстрот» — изящная оркестровая пьеса с тонкими, легкими и хрупкими звучаниями. Это, конечно, не бытовой танец. Композитор нашего века «опоэтизировал» современный фокстрот, подобно тому, как композиторы прошлого опоэтизировали, например, менуэт или вальс. Следующая часть называется «Ночь». Это картина ночного покоя, спящей земли. Первая половина пьесы построена на звучании низких регистров струнных инструментов, вторая, как бы колыбельная песня, появляется у засурдиненных труб и переходит в хор скрипок, играющих в высоком регистре. Последняя часть сюиты — «Время, вперед!» — представляет собой музыкальное воплощение безостановочно бегущего времени. Эта исключительно яркая находка композитора снискала себе самую широкую известность. Использованная в целом ряде кинофильмов, теле- и радиопередач, эта музыка, соединяющая в себе одновременно стремительность и мощь, действительно, может служить символом нашего времени.

Не менее интересна история появления музыкальных иллюстраций к повести А.С.Пушкина «Метель». В 1964 году к Свиридову обратился известный артист и кинорежиссер В. Басов, приступавший к съемкам кинофильма «Метель» по пушкинской повести. Свиридов, не тяготевший к «абстрактным» музыкальным жанрам, сочинявший, как правило, музыку текстовую, очень любил и работу для театра и кино: она давала ему возможность воплощения конкретных образов и ситуаций, дисциплинировала необходимостью точно укладываться в заданный хронометр. Повесть «Метель» была написана А. С. Пушкиным в 1830 году в золотую пору его творчества, оставшуюся в истории под названием «Болдинская осень». В ней повествуется о провинциальной семнадцатилетней девице Марье Гавриловне, которая решила бежать из дома, чтобы тайно обвенчаться со своим бедным и потому неприемлемым для родителей избранником, и о том, как метель вмешалась в планы влюбленных и в результате полностью изменила судьбы трех человек.

Свиридова привлекла идея воссоздать в музыке образ современной Пушкину провинциальной России. Его музыка лишена того оттенка иронии, который явно ощущается в повести. Он исходил из интонаций, бытовавших в начале XIX века: вальсовых, маршевых, романсовых, перезвона бубенцов, всегда висевших на дугах ямщицких лошадей. Но эти простые, подчас наивные интонации одухотворены им, использованы творчески, с особым, присущим только Свиридову настроением. Музыка зазвучала как ретроспектива давно ушедшей, но милой, привлекательной, вызывающей ностальгическое чувство жизни.

В 1973 году из отдельных музыкальных эпизодов, созданных для кинофильма, композитор решил составить сюиту, куда вошли такие части: «Тройка», «Вальс», «Весна и осень», «Романс», «Пастораль», «Военный марш», «Венчание», «Отзвуки вальса», «Зимняя дорога». Девять номеров музыкального произведения создали последовательный ряд своего рода иллюстраций к пушкинской повести. Таким образом, Свиридов явился создателем интересного музыкального жанра, который он назвал «музыкальной иллюстрацией». Композитор как бы рассказывает литературное произведение зыки.

В состав симфонического оркестра, исполняющего «Метель» вошли: 2 флейты, флейта-пикколо, 2 гобоя, английский рожок, 2 кларнета, малый кларнет, 2 фагота, контрафагот, 4 валторны, 3 трубы, 3 тромбона, туба, литавры, бубен, малый барабан, тарелки, большой барабан, колокола, колокольчики, челеста, 2 арфы, фортепиано, струнные.

Симфоническая музыка – доклад сообщение 7 класс

Что такое симфония, история симфонии

История музыкального искусства началась в незапамятные времена и своими корнями уходит в глубокую древность. Музыка сопровождала людей всегда и везде, вошла в их культуру, стала неотъемлемой частью жизни и интенсивно развивалась вместе с непрерывно эволюционирующим человеком. Появлялись новые музыкальные инструменты, усовершенствованные жанры и стили, которые с течением времени неустанно преобразовывались. Так, для воплощения творческих идей талантливых композиторов в результате их кропотливых изысканий возник обладающий широкими возможностями жанр симфонии, который и в нынешнее время признаётся наивысшим жанром инструментальной музыки.

Историю симфонии и множество интересных фактов читайте на нашей странице.

Что такое симфония

Симфония. В нынешнее время этим словом, которое с греческого переводится как созвучие, именуют наполненное глубоким идейным содержанием масштабное музыкальное произведение, предназначенное для исполнения оркестром того или иного состава: симфоническим, духовым, народным, камерным. Симфония, являющаяся высшей формой инструментальной музыки, пишется композиторами в сонатно-циклической форме, то есть произведение состоит из отдельных частей, связанных между собой единым замыслом, при этом первая часть сочинения, как правило, излагается в сонатной форме.

Симфония по своему потенциалу превосходит другие музыкальные формы. Её возможности позволяют посредством звуковых образов всецело раскрыть идею произведения, отобразить сюжетно-драматическое действие и помимо того показать всё богатство эмоциональных состояний личности, то есть её чувства и настроения. По сравнению с художественной литературой симфония подобна роману с его драматургией и единой сюжетно-образной концепцией.

Симфония – произведение, включающее нескольких частей, количество которых может варьироваться от трёх до пяти. Однако чаще всего композиторы обращаются к четырёхчастной классической форме, заложенной Гайдном и Моцартом , а затем получившей развитие в творчестве Бетховена .

Опорными в симфонии являются первая и финальная части. Начало произведения характеризуется завязкой драматического действия, а в финале происходит завершение композиционного круга. Первая часть симфонии, которая обычно бывает весьма динамичной, имеет форму сонатного аллегро, представляющую собой четкую структурную и драматургическую модель. Она начинается вступлением и имеет три раздела: экспозицию, разработку и репризу. Вторая часть произведения, как принято — медленная. Это поэтический центр всей композиции и его форма может быть самой разнообразной: вариационной, сонатной, но в большинстве случаев контрастной трёхчастной. Третья часть в симфониях Гайдна и Моцарта – это менуэт, затем Бетховен заменил грациозный танец на оживлённое скерцо. Финал произведения подводит итог всего цикла. У венских классиков он имел форму рондо-сонаты, но с течением времени менял своё строение. Жизнеутверждающий и энергичный он возвращает слушателя к настроениям первой части, однако музыкальный материал в нём звучит не только бодро, но и оптимистично.

Популярные симфонии

Йозеф Гайдн Симфония №103. Произведение, имеющее название «С тремоло литавр», написано композитором во время его второй гастрольной поездки в Англию и причисляется к так называемым «Лондонским» симфониям. Для исполнения этого сочинения Гайдну потребовался оркестр, который включал шестьдесят музыкантов: по меркам того времени это было весьма масштабно. Симфония, включающая четыре части, начинается со вступления, тема которого напоминает знаменитый григорианский распев «Dies irae». Первая часть произведения имеет форму сонатного allegro. Вторая часть написана в форме так называемых двойных вариаций. Третья часть – менуэт, однако не придворный, а крестьянский танец. Финал – это яркая картина народного праздника.

Вольфганг Амадей Моцарт Симфония №40. Это самое известное произведение, признанное сокровищем классической музыки, написано гениальным маэстро летом 1788 года. Небольшой оркестр, минорная тональность и отсутствие торжественности сразу настраивает на серьёзный лад. Симфония традиционно для тех времён состоит из четырёх частей, три из которых: первая – Allegro, вторая – Andante и четвёртая – Allegro assai имеют сонатную форму, а третья ― Menuetto написана композитором в сложной трёхчастной форме с трио.

Людвиг ван Бетховен Симфония № 5. Это грандиозная композиция, которую великий композитор сочинял в течение трёх лет и закончил в 1808 году, признана наивысшим достижением симфонической музыки. Инструментальная драма начинается неторопливым вступлением, рельефную тему которого сам маэстро охарактеризовал как «стук Смерти в дверь». Первая часть симфонии – Allegro con brio – форма сонатного аллегро. Вторая часть – Andante con moto – двойные вариации. Третья часть – Allegro – это скерцо, однако с драматическим настроем. Четвёртая часть – Allegro – торжествующий финал в форме сонатного аллегро.

Дмитрий Шостакович Симфония №7 «Ленинградская». Это величайшее произведение имеет историческую основу, так как представляет собой выраженную в звуках хронику жестокой войны. Героическое содержание своего творения композитор заключил в четырёхчастную форму. Первая часть Allegretto – сонатная форма без разработки иллюстрирует два противоположных мира: добра и зла. Вторая часть Moderato — Poco allegretto – скерцо, отображающее воспоминания о мирной жизни. Третья часть Adagio – реквием по погибшим. Четвёртая часть Allegro non troppo – триумфальная победа и как итог – ожидание светлого будущего.

Петр Ильич Чайковский Симфония №4. В творчестве гениального композитора это выдающееся произведение, сочинённое в 1877 году, является знаковым и указывает на новый этап последующего развития симфонизма. Эта четырехчастная психологическая драма, соизмеримая по духу с творениями великого Бетховена, начинается с интродукции, в которой звучит фанфарная тема рока. Первая часть композиции – Andante sostenuto, написано в форме сонатного аллегро. Вторая часть – Andantino in modo di canzone имеет сложную трёхчастную форму. Третья часть –Scherzo: Pizzicato ostinato – сложная трёхчастная форма. Финал – Allegro con fuoco – форма рондо-соната.

История

Симфония. Это слово известно с незапамятных времён. В Древней Греции оно означало пение в унисон, а также приятное и ласкающее слух сочетание различных звуков. В Древнем Риме данным термином также называли различные инструментальные ансамбли, а во времена Средневековья в некоторых странах им именовали светскую музыку и всякого рода музыкальные инструменты. Со временем данное слово стало приобретать иное значение. В эпоху Ренессанса «симфонией» называли стройное хоровое пение, крупные духовные вокально-инструментальные композиции, а также вступления к вошедшим в моду многоголосным вокальным пьесам – канцонам и мадригалам.

Необходимо напомнить, что в конце XVI века в Италии стало зарождаться оперное искусство. Изначально учёные – гуманисты замыслили воссоздать древнегреческую драму, как правило, сопровождаемую песнями, танцами и хороводами. Данные театральные представления, пользующиеся большой популярностью в народе, в процессе развития быстро видоизменялись. Появлялись постановки с музыкальным вступлением к сценическому действию, со звукоизобразительными картинами и с развёрнутыми интермедиями. В XVII веке инструментальные эпизоды спектаклей, а также вступления к ораториям и кантатам стали именоваться «симфониями», то есть впоследствии этот термин по значению сблизился с понятиями «увертюра» и «прелюдия». Важно также отметить, что в конце столетия итальянский композитор Алессандро Скарлатти к своим операм писал увертюры-симфонии, содержащие три контрастные по темпу части, однако сливающиеся в цельную композицию. И вот такие образцы, с наметившимися в них очертаниями формы сонатного аллегро, стали преобладающими в творчестве композиторов и, следовательно, получили разноплановоё развитие.

Например, для струнного оркестра и бассо континуо создавались трёхчастные «концерты», в которых разделы также имели темповый контраст. Помимо того в Германии набирали популярность оркестровые сюиты, состоящие из разнохарактерных танцев, а в Италии Антонио Вивальди завораживал слушателей своими трёхчастными композициями. Тем временем живо развивающаяся опера получала всё большее признание и в начале XVIII века увертюры – симфонии к спектаклям уже стали исполняться на концертах за пределами музыкальных театров. Постепенно оперная увертюра стала обособляться и превращаться в самостоятельное оркестровое произведение, в котором контрастные разделы в дальнейшем преобразовались в отдельные части. Так поэтапно появлялся новый жанр, на формирование которого оказало влияние творчество композиторов разных европейских стран, но особый вклад в её развитие внесли представители немецкой мангеймской школы. Опираясь на богатейшие традиции инструментальной музыки, сложившиеся в культуре Германии во второй половине XVIII века, они значимо преобразовали цикл, например, ввели в него менуэт и тем самым увеличили композицию до четырёх частей: Allegro, Andante, Menuetto и Finale. В первой части всё чаще стали вырисовываться три основных раздела: экспозиция, разработка и реприза, музыкальный материал которых строился на контрасте главной и побочной темы. Помимо того композиторы в своих сочинениях смело расширяли состав оркестра и вводили в партитуры флейты , гобои, трубы , валторны и литавры , то есть камерный оркестр преобразовывался в симфонический. Таким образом, инструментальный цикл, реформированный композиторами манеймской школы, подготовил появление классической симфонии, форма которой была удобна для воплощения характерных для искусства образов.

Основоположником нового жанра принято считать австрийского композитора, представителя венской классической школы Йозефа Гайдна . Поначалу его первые симфонии, рассчитанные на небольшой оркестровый состав, по сути, не отличались от развлекательных по характеру камерных произведений, однако со временем сочинения композитора наполнились глубоким смыслом и драматическим содержанием. В связи с этим, для воплощения того или иного замысла, Гайдн расширил состав оркестра, а также смело использовал тембральный окрас новых инструментов. Музыка симфоний, которых Гайдн написал более ста, отличается остроумием, затейливостью развития тематического материала и оригинальностью инструментовки. Именно в этих сочинениях новый жанр окончательно оформился и принял вид классической симфонии, в которой все четыре части, имеющие свой тематический материал, разделены, но в то же время связаны друг с другом по смыслу и составляют единое целое.

Разумеется, ещё одной выдающейся личностью, стоящей у истоков классической симфонии, но по-своему решавший эту задачу, был гениальный Вольфганг Амадей Моцарт . Он обогатил содержание произведений, наполнив их эмоциональными контрастами и драматизмом, усилил тематическое развитие, увеличил размер частей, существенно развил оркестровку. В каждой из своих симфоний, которые отличаются мелодическим богатством, изящной гармонией и искусным контрапунктом, композитор, более стилистически объединяя, воплощал новый художественный замысел.

Следующим композитором, внёсшим неоценимый вклад в развитие симфонии, бесспорно, является Людвиг ван Бетховен . В его наследии всего девять симфоний, но каждая из них это творческое новаторство и результат усиленной работы великого маэстро. Главным в симфониях Бетховена, которые становятся более масштабными, является идейный смысл, динамичная драматургия и философское начало. Композитор впервые тематически связал все части произведения и тем самым соединил цикл в единое целое. Разработку в экспозиции он сделал более активной, размеренный менуэт поменял на энергичное скерцо, а кульминационный центр симфонии частенько перемещал в финал. Помимо этого Бетховен впервые ввёл в состав оркестра тромбон и тем самым фактически сформировал медную группу, а кроме того добавил флейту пикколо и контрафагот. Маэстро заставил все духовые инструменты солировать, предоставляя для этого яркий мелодический материал, а финал своей знаменитой Девятой симфонии раскрасил хором, восторженно поющим гимн на поэтический текст Шиллера – оду «К радости».

Следующим этапом в развитии симфонии было творчество композиторов – романтиков. Они, направляясь по пути великого Бетховена, но в то же время постоянно экспериментируя, наполнили форму классической симфонии новым содержанием, в котором драматизм уступал место лирико-психологическому или даже эпическому началу. Среди композиторов – симфонистов данного направления следует особо выделить Франца Шуберта , Роберта Шумана, Феликса Мендельсона , Гектора Берлиоза, Ференца Листа , Иоганнеса Брамса, Александра Бородина , Петра Чайковского, Александра Глазунова , Антона Брукнера, Густава Малера , Антонина Дворжака, Сезара Франка, Рихарда Штрауса и Яна Сибелиуса .

У композиторов – романтиков доминирующее положение стала занимать программная симфония, и особое развитие получил сквозной тематизм между частями, количество которых они нередко экспериментально меняли то в большую, то в меньшую сторону. Романтики в своих произведениях, отличающихся ярким тембровым и гармоническим колоритом, нередко вносили изменения в исполнительский состав, вводя в оркестр новые инструменты, солирующий вокал и хор. В их сочинениях появились лейтмотивы, а также выразительно и проникновенно зазвучали мотивы народных песен и танцев.

В двадцатом веке симфонический жанр не стоял на месте. Появилось довольно много новаторских направлений, в которых проводились смелые эксперименты. Композиторов сочиняющих симфонии в прошлом столетии было довольно много, но особый вклад в развитие жанра внесли Дариюс Мийо, Артюр Онеггер, Пауль Хиндемит, Игорь Стравинский, Сергей Прокофьев , Дмитрий Шостакович, Альфред Шнитке , Эйтор Вила-Лобос, Чарлз Айвз, Кшиштоф Пендерецкий, Ральф Воан-Уильямс, Эллиотт Картер, Уильям Стилл, Эллен Цвилих, Бенджамин Бриттен

Интересные факты о симфониях

  • Исследователи творчества Йозефа Гайдна утверждают, что композитор является автором 150 симфоний, 46 из которых, к сожалению, были утеряны.
  • Сегодня хорошо известны 104 симфонии Йозефа Гайдна, однако не все знают, что 28 из них имеют программу. У некоторых произведений есть весьма необычные названия, например такие, как «Курица», «Медведь» и «Сюрприз».
  • Свою первую симфонию Вольфганг Амадей Моцарт сочинил в возрасте восьми лет.
  • Премьера Девятой симфонии Людвига ван Бетховена состоялась в 1824 году. К тому времени композитор полностью потерял слух и поэтому не слышал приветственных оваций слушателей, которые были настолько продолжительными, что даже пришлось вмешаться полиции. Публика, зная о глухоте маэстро, стала бросать в воздух шляпы и платки, чтобы Бетховен смог увидеть её восторг от величайшего произведения. Композитор в свою очередь так был растроган, что потерял сознание.
  • Бетховен довольно долго работал над своей Пятой симфонией. На сочинение произведения у него ушло три года. Чтобы творение было совершенным он те или иные фрагменты переделывал по двадцать раз.
  • Первое исполнение ныне признанной во всём мире Симфонии №5 Петра Ильича Чайковского в Соединённых Штатах было настолько провальным, что на следующий день композитора в газетах назвали «диким калмыком» и «диким казаком».
  • Симфония №7 Дмитрия Шостаковича была признана самым политизированным произведением за всю историю классической музыки. По замыслу фашистов Ленинград должен был пасть 9 августа 1942 года, а их генералы намеревались отпраздновать победу в ресторане «Астория». Однако коварные планы гитлеровцев были сорваны отчаянным сопротивлением защитников города. Именно в этот день в Ленинграде впервые прозвучала Седьмая симфония Шостаковича, которая транслировалось по радио и звучала из всех уличных громкоговорителей. Таким образом, немцы не по своей воле услышали произведение, вызывавшее у них злость, а у советских людей чувство гордости за любимую страну.

Среди большого количества музыкальных жанров симфония в нынешнее время занимает самое почётное место, поскольку только в ней возможно всецело отобразить драматургический замысел, а также внутренний мир её создателя. Слушая произведение, мы приобщаемся к гениальности творца, создавшего его, а значит, что очень важно, становимся духовно богаче.

Понравилась страница? Поделитесь с друзьями:

Видео: слушать симфонию № 40 Моцарта

Симфоническая музыка – доклад сообщение 7 класс

Симфоническая музыка — музыка, предназначенная для исполнения симф. оркестром; наиболее значительная и богатая область инстр. музыки, охватывающая и крупные многочастные произв., насыщенные сложным идейно-эмоциональным содержанием, и мелкие муз. пьесы. Симф. оркестр, соединяющий в себе разнообразные инструменты, предоставляет творцу музыки богатейшую палитру звуковых красок, выразит. средств, технич. возможностей для воплощения художеств. замыслов.

Исполнение муз. произв. большими инстр. ансамблями и оркестрами практиковалось и в античности, и в средневековье, но лишь на исходе эпохи Возрождения инстр. музыка стала равноправной с вокальной. Постепенно вырабатывался независимый от хор. многоголосия специфически инструментальный (ансамблево-оркестровый) стиль. Музыка для оркестра развивалась в постоянном взаимодействии с др. видами муз. иск-ва – с музыкой камерной, органной, хоровой, оперной. Характерные жанры 17 – 1-й пол. 18 вв.: танц. сюита, концерт – ансамблево-оркестровый (см. Concerto grosso), позднее сольный (см. Концерт), увертюра (симфония) оперного образца (сначала как вступление к опере, балету, затем и самостоятельная). Разновидности сюиты 18 в.: дивертисмент, серенада, ноктюрн, кассация. Мощный подъём С. м. связан с выдвижением на передний план симфонии, развитием её как циклич. сонатной формы и совершенствованием классич. типа симф. оркестра. В этом отношении большую роль сыграли мангеймская школа и особенно венская классическая школа. В творчестве венских классиков произошло окончат. размежевание между С. м. и музыкой камерно-ансамблевой, сложились классич. тины симфонии (четырёхчастный цикл), концерта (трёхчастный цикл), увертюры (одночастное соч. в сонатной форме). В 19 в. расширились возможности симф. оркестра; увеличился его состав, были усовершенствованы старые инструменты, введены новые. В связи с усложнением орк. партитур возросла роль дирижёра (см. Дирижирование). В симфонию и др. виды С. м. нередко стали вводить хор и сольные вок. голоса. С др. стороны, усилилось симф. начало в вок.-орк. сочинениях (кантате, оратории), опере и балете. Большое значение приобрела симф. программная музыка: конц. увертюра на определ. сюжет, симфония, снабжённая лит. программой, симфоническая поэма и родственные ей жанры (симфоническая картина, симфоническая фантазия и т.п.), сюита программного типа, часто составленная из номеров театральной (в т.ч. балетной, оперной) музыки, но нередко и самостоятельная. К жанрам С. м. относятся также симфониетта, симф. вариации, фантазия (также увертюра) на нар. темы, рапсодия, легенда, каприччо, скерцо, попурри, марш, разл. танцы (в т.ч. в виде цикла – симф. танцы), разл. рода миниатюры и т.п. В конц. симф. репертуар входят также отд. орк. фрагменты из опер, балетов, драм, пьес, кинофильмов.

С. м. 19 в. воплотила огромный мир идей и эмоций. В ней нашли выражение темы широкого обществ. звучания, глубочайшие переживания, картины природы, быт и фантастика, нац. характеры, образы пространственных иск-в, поэзии, фольклора. С. м. 20 в., развив многие элементы музыки прошлого, внесла новое в содержание и структуру произв., отразила принципы разл. эстетич. течений (импрессионизм, экспрессионизм и др.). Лучшие образцы С. м. 20 в.- классика новейшего времени. Классич. симф. оркестр сохранил в музыке 20 в. значение нормы, но широкое применение получили и др. орк. комплексы – расширенные до сверхоркестра, уменьшенные до камерного коллектива, промежуточные неполные составы. Оркестр обогатился новыми тембрами (в частности, электроинструментов), выдвинулась как самостоят. ансамбль в оркестре группа удар. инструментов. На равных правах с инструментами в партитуры симф. произв. стали включаться певческие сольные и хор. голоса. Композиционные приёмы С. м. преломились в джазе (т.н. симф. джаз). Вновь культивируются нек-рые жанры старинной музыки, напр. концерт для оркестра. Новые импульсы С. м. дали муз. культуры неевропейских народов.

В 19-20 вв. в странах Европы и Америки выдвинулся ряд нац. школ С. м., к-рые получили мировое значение. Высокими достижениями отмечена рус. классич. и сов. С. м., занимающая видное место в мировой муз. культуре. Сов. С. м. охватывает творч. деятельность композиторов всех союзных и авт. республик. Во многих сов. республиках только после 1917 появились мастера С. м. В разл. жанрах сов. С. м. нашли отражение образы и идеи современности, процессы революц. преобразования общества. Рост симфонизма сказался в развитии оперы и балета, привёл к расцвету вок.-симф. жанров, к симфонизации музыки для дух. оркестра и оркестра нар. муз. инструментов. Богатейший фольклор СССР дал творч. импульсы С. м. и обусловил появление новых её разновидностей (напр., симф. мугама); благотворно воздействие нац. традиций и на С. м. др. стран.

Литература: Глебов Игорь (Асафьев Б. В.), Русская симфоническая музыка за 10 лет, “Музыка и революция”, 1927, No 11; Советская симфоническая музыка. Сб. ст., М., 1955; Соллертинский И., Исторические типы симфонической драматургии, в его кн.: Музыкально-исторические этюды, Л., 1956; Ступель A., Беседа о симфонической музыке, Л., 1961; Poпова Т., Симфоническая музыка, М., 1963; Для слушателей симфонических концертов. Краткий путеводитель, М.-Л., 1965, Л., 1967; Конен В., Театр и симфония. М., 1968, 1975; Бобровский В., Симфоническая музыка, в кн.: Музыка XX века, ч. 1, кн. 1, М., 1976.

Симфоническая музыка

Сообщений [ 3 ]

1 Тема от участника Delilah 2010-01-02 21:03:58 — несколько лет назад

  • What the Moon Brings
  • Delilah
  • Вне сайта
  • Откуда: Arkham
  • Зарегистрирован: 2009-02-02
  • Сообщений: 385

Тема: Симфоническая музыка

Симфоническая музыка — музыка, предназначенная для исполнения симфоническим оркестром. К симфонической музыке относят и сочинения, в которых привлекаются хор, певцы-солисты, но инструментальное начало господствует; понятие «симфоническая музыка» распространяют и на произведения для солирующего инструмента или инструментов и оркестра (концерт).

Жанры симфонической музыки разнообразны и включают как крупные, нередко многочастные произведения, так и миниатюры. Важнейшие жанры — симфония, увертюра (самостоятельная концертная пьеса или вступление к опере), концерт, сюита, симфоническая поэма, фантазия. К симфонической музыке могут быть причислены и оркестровые эпизоды оперы — симфонические картины, интермеццо.

Привлечение симфонического оркестра — высшего, наиболее развитого инструментального состава — определяет большие возможности симфонической музыки в воплощении самого значительного и богатого содержания. Лишь условно к симфонической музыке относят произведения, возникшие до появления симфонического оркестра и предназначавшиеся для исполнения другими оркестровыми и ансамблево-оркестровыми составами. Это популярные в XVII веке и первой половине XVIII века старинная танцевальная сюита, кончерто гроссо, ранние разновидности оперной увертюры, серенада, дивертисмент. Формирование симфонического оркестра, сложившегося к концу XVIII века, проходило параллельно с созданием новых, характерных для симфонической музыки жанров, и в первую очередь симфонии. Видная роль в этом принадлежит мангеймской школе и в особенности венской классической школе, представителями которой были И.Гайдн, В. А. Моцарт (2-я половина XVIII века) и Л.Бетховен (конец XVIII — первая четверть XIX века). Основы симфонической музыки были заложены Гайдном, в творчестве которого произошло полное обособление ансамблевой и собственно оркестровой музыки. Важнейший вклад внесли Моцарт и Бетховен.

Творчество Бетховена составляет высочайшую вершину в развитии мировой симфонической музыки. В его симфониях, а также увертюрах и концертах запечатлены величественные художественные концепции, нашло глубокое отображение типическое для эпохи содержание. Для этих сочинений Бетховена характерен особый тип музыкального развития (представленный также его квартетами, фортепианными сонатами и др.), необычайно последовательного и логичного, раскрывающего художественный замысел через противопоставление контрастных тематических элементов и их активную разработку, то есть такой тип развития, который дал основания виднейшему музыкальному учёному Б. В. Асафьеву выдвинуть особое понятие симфонизма.

В симфоническом творчестве многих композиторов-романтиков — Ф.Мендельсона-Бартольди, Г.Берлиоза, Ф.Листа и др. — большое значение приобретает музыкальная программность (см. Программная музыка). Наряду с программной симфонией культивируется и программная увертюра (в особенности у Мендельсона). Возникает и новый жанр программной симфонической поэмы, созданный Листом и в последующее время представленный многими сочинениями К.Сен-Санса, Р.Штрауса, а также композиторов новых национальных школ — Б.Сметаны, А.Дворжака, Я.Сибелиуса и др. В области программной симфонии вслед за Г. Берлиозом и Ф. Листом большой вклад внёс Г.Малер. Параллельно развивается и непрограммная симфоническая музыка.

Важнейшее место симфоническая музыка занимает в творчестве русских композиторов: основоположника русского классического симфонизма М. И. Глинки, представителей «новой русской музыкальной школы» («Могучей кучки») М. А. Балакирева, Н. А. Римского-Корсакова, А. П. Бородина, М. П. Мусоргского, а также П. И. Чайковского, в последующее время — А. К. Глазунова, Сергей Танеева, Сергей Рахманинова, Александр Скрябина. Они создали много значительных сочинений в самых разнообразных жанрах симфонической музыки. Традиции русской симфонической музыки развивали советские композиторы, представители различных национальных школ: Николай Мясковский, Сергей Прокофьев, Дмитрий Шостакович, Арам Хачатурян.

Give me guidance – in torrents of time
Give me answers – creators of mine from the past
Mind over matter at last(с)

Урок «Симфоническая музыка»

Лонгрид «Симфоническая музыка» на сервисе Tilda

– музыкальные произведения, предназначенные для исполнения симфоническим оркестром.

Группы инструментов симфонического оркестра:

Духовые медные: Труба, Туба, Тромбон, Волторна.

Духовые деревянные: Гобой, Кларнет, Флейта, Фагот.

Струнные: Скрипка, Альт, Виолончель, Контробасс

Ударные: Большой барабан, малый барабан,Тамтам, Литавра, Челеста, Бубен, Тарелки, Кастаньеты, Маракасы, Гонг, Треугольник, Колокольчики, Ксилофон

Другие инструменты симфонического оркестра: Орган, Челеста, Клавесин, Арфа, Гитара, Фортепьяно(Рояль, Пианано).

Тембровые характеристики инструментов

Скрипка: Нежный, светлый, яркий, певучий, ясный, тёплый

Альт: Матовый, мягкий

Виолончель: Насыщенный, густой

Контробас: Глуховатый, суровый, мрачный, густой

Флейта: Свистящий, холодный

Гобой: Носовой, гнусавый

Кларнет: Матовый, носовой

Фагот: Сдавленный, густой

Труба: Блестящий, яркий, светлый, металлический

Валторна: Округлый, мягкий

Тромбон: Металлический, резкий, мощный.

Туба: Суровый, густой, тяжёлый

Главные жанры симфонической музыки:

Симфония, сюита, увертюра, симфоническая поэма

(от греч. symphonia «созвучие», «согласие»)
ведущий жанр оркестровой музыки, сложное богато развитое многочастное произведение.

Это крупный музыкальный жанр.
—Время звучания: от 30 минут до часа.

Основное действующее лицо и исполнитель – симфонический оркестр

Строение симфонии (классическая форма)

Состоит из 4 частей, которые воплощают разные стороны жизни человека

Быстрая и наиболее драматичная, иногда предваряется медленным вступлением. Написана в сонатная форме, в быстром темпе(аллегро).

Мирная, задумчивая, посвящена мирным картинам природы, лирическим переживаниям; скорбная или трагическая по настроению.
Звучит в медленном движении, пишется в форме рондо, реже в форме сонаты или вариационной форме.

Здесь игра, веселье, картинки народной жизни. Это скерцо или менуэт в трехчастной форме.

Быстрый финал. Как итог всех частей отличается победным, торжественным, праздничным характером. Пишется в сонатной форме или в форме рондо, рондо-сонаты.

Но бывают симфонии и с меньшим (или большим) количеством частей. Существуют и одночастные симфонии.

Симфония в творчестве зарубежных композиторов

Симфония №103 «С тремоло литавр»

Свое название «с тремоло литавр» симфония получила благодаря первому такту, в котором литавра играет тремоло (итал. tremolo –дрожжащий), напоминающее отдалённые раскаты грома,
на тоническом звуке ми-бемоль. Так начинается медленное унисонное вступление (Adagio) к первой части, носящее углубленно-сосредоточенный характер.

Одна из наиболее известных последних симфоний Моцарта. Большую популярность симфония приобрела благодаря необычайно искренней музыке, понятной самому широкому кругу слушателей.
Первая часть симфонии не имеет вступления, а начинается сразу изложением темы главной партии allegro . Эта тема носит взволнованный характер; вместе с тем она отличается певучестью и задушевностью.

Симфония поражает лаконизмом изложения, сжатостью форм, устремленностью развития, кажется рожденной в едином творческом порыве.
«Так стучится к нам в дверь судьба» – сказал Бетховен
о начальных тактах этого произведения. Яркая выразительная музыка основного мотива симфонии дают возможность трактовать ее как картину борьбы человека с ударами судьбы. Четыре части симфонии представляются как этапы этой борьбы.

Симфония №8 “Неоконченная”

Одна из поэтичнейших страниц в сокровищнице мирового симфонизма, новое смелое слово в этом сложнейшем из музыкальных жанров, открывшее дорогу романтизму. Это первая лирико-психологическая драма в симфоническом жанре.
Имеет не 4 части, как симфонии композиторов классиков, а всего две. Однако две части этой симфонии оставляют впечатление удивительной цельности, исчерпанности.

Симфония в творчестве русских композиторов

Симфония №1 “Классическая”

Названа «классическая», т.к. в ней сохранена строгость и логика классической формы 18 века, и в то же время ее отличает современный музыкальный язык.
Музыка полна острых и «колючих» тем, стремительных пассажей Использование особенностей танцевальных жанров (полонез, менуэт, гавот, галоп). Не случайно на музыку симфонии создавались хореографические композиции.

Симфония №7 “Ленинградская”

В 1941 г. симфонией №7 композитор откликнулся на страшные события Второй мировой Войны, посвященной блокаде Ленинграда (Ленинградская симфония)
«Седьмая симфония – это поэма о нашей борьбе, о нашей грядущей победе» – писал Шостакович. Симфония получила всемирное признание как символ борьбы с фашизмом.
Сухая отрывистая мелодия главной темы, несмолкающая барабанная дробь создают ощущение настороженности, тревожного ожидания.

Первую симфонию Калинников начал писать в марте 1894 года и закон­чил ровно через год, в марте 1895-го
В симфонии наиболее ярко воплотились особенности дарования композитора— душевная открытость, непосредственность, насыщенность лирических чувств. В своей симфонии композитор воспевает красоту и величие природы, русского быта, олицетворяющих образ России, русской души, через русскую музыку.

Вступление симфонии — траурный марш. “Полнейшее преклонение перед судьбой. перед неисповедимым предначертанием”,- пишет Чайковский в своих черновиках.
Так сложным путем преодоления и внутренней борьбы композитор приходит к победе над самим собой, над своими сомнениями, душевным разладом и смятенностью чувств.
Носительницей основной идеи является сжатая, ритмически упругая тема с неизменным тяготением к исходному звуку, которая проходит через все части цикла.

“Цель музыки – трогать сердца”
(Иоганн Себастьян Бах).

“Музыка должна высекать огонь из людских сердец”
(Людвиг ван Бетховен).

“Музыка даже в самых ужасных драматических положениях должна всегда пленять слух, всегда оставаться музыкой”
(Вольфганг Амадей Моцарт).

“Музыкальный материал, то есть мелодия, гармония и ритм, безусловно, неисчерпаем.
Музыка есть сокровищница, в которую всякая национальность вносит свое, на общую пользу”
(Петр Ильич Чайковский).

Любите и изучайте великое искусство музыки. Оно откроет вам целый мир высоких чувств, страстей, мыслей. Оно сделает вас духовно богаче. Благодаря музыке вы найдете в себе новые неведомые вам прежде силы. Вы увидите жизнь в новых тонах и красках”
(Дмитрий Дмитриевич Шостакович).

Развитие симфонического жанра

Создание и развитие симфонического жанра было предопределено «отцом симфонии» Йозефом Гайдном (1732-1809). Его творчество сформировало классическую форму симфонии, и одновременно доказало возможность создавать бесконечное число образных решений.

Среди 104 симфоний Гайдна есть и безоблачные, радостные, и с драматической первой частью, и такие, где в окружении светлой музыки впечатляет неожиданная серьезность второй части. Своеобразно построена глубокая по содержанию «Прощальная» симфония. Она состоит из пяти частей и заканчивается медленным, «угасающим» финалом.

От Гайдна – к Моцарту и Бетховену

Еще более индивидуальными стали симфонии соотечественника Йозефа Гайдна – Вольфганга Амадея Моцарта (1756-1791). Они отмечены высшей гармонией духа, проникнуты поэтичностью. Вместе с тем в симфониях Моцарта появляются и предвестники героических образов, и первый трепет душевных волнений.

Моцартовские симфонические циклы отличаются замечательной цельностью, внутренним контрастом, интенсивностью музыкального развития. Яркий пример – знаменитая Симфония Соль минор (1788). Ее пламенные «вертеровские» образы рождены эмоциональной атмосферой эпохи «Буи и радости», ее порывистый лиризм (проникающий даже в менуэт) – гениальное предвидение романтической лирики.

Развитие симфонического жанра получило гигантский скачок в творчестве третьего (и последнего) великого представителя венского классицизма, — Людвига ван Бетховена (1770-1827).

Композитор превратил симфонию в монументальное произведение, не уступающее по широте обобщений и глубине содержания опере, роману, драме. Вдохновленный событиями Великой французской революции, Бетховен насытил симфонию философской мыслью, высокими гражданскими идеями. Отсюда – грандиозные масштабы форм (I часть Третьей, «Героической» симфонии в два раза превышает начальное Allegro самой большой симфонии Моцарта «Юпитер») и напряженная конфликтность драматургии.

Музыка наполняется образами борьбы, гулом народных толп, звучанием фанфар, гимнов, маршей, звенящими голосами природы. Бетховен исключил из своих симфоний менуэт – галантный аристократический танец уходящей эпохи. На смену ему пришло более содержательное и стремительное скерцо (с итальянского – шутка).

Тип симфонизма, созданный Бетховеном, вошел в историю музыки под названием героического, или героико-драматического.

Развитие симфонического жанра. Романтический симфонизм Шуберта

В том же городе, практически в то же время писал симфонии Франц Шуберт (1797-1828). Но как они отличаются от симфоний Бетховена, рядом с которыми выглядят так же, как поэтический дневник рядом с философским романом или героической драмой!

Сказывалось влияние новой эпохи – романтизма – с ее повышенной эмоциональностью, культом «чувства», погружением в неведомые доселе «тайники» человеческой души. Вот почему так много лирики в симфониях Франца Шуберта, Феликса Мендельсона (1809-1847), Роберта Шумана (1810-1856). Мелодии насыщаются песенностью, интонациями интимного романса.

Излюбленный романтиками конфликт человека и среды, мечты и действительности вызвал изменения в драматургии сонатной формы. Развитие симфонического жанра в эпоху романтизма было связано м углублением контраста между главной и побочной темами.

Первая тема посвящается действенным образам жизненной борьбы, вторая – замедленная, лирическая – воплощает некий недостижимый идеал, прекрасный и манящий.

Программный симфонизм Берлиоза и Листа

Образы романтического симфонизма становились все более тонкими и внутренне сложными. Усилилось субъективное, «монологическое» начало, которое могло увести симфонию от реальной человеческой жизни. В этом кроется главная причина утверждения программного симфонизма.

Инструментальная музыка вступила в союз с другими видами искусства – литературой и живописью. Ее образы наполнились почти осязаемой конкретностью, красочностью, вызывающих у слушателя зрительные ассоциации. Их последовательность рождает представление об определенном сюжете, о цепи сменяющихся событий.

Сюжетность решительно обновила музыкальные формы, привела к еще большей сплоченности частей цикла. Усилилась их мелодическая общность. Нередко через все части, как через акты оперы, проходит лейтмотив (ведущий мотив) – музыкальная тема, в которой воплощается образ, понятие или драматическая ситуация.

«Первенцем» романтической программности была «Фантастическая симфония» Гектора Берлиоза (1803-1869). Великий французский композитор написал ее в 1830 году на собственную литературную программу автобиографического склада. Одну за другой он создал еще три программных симфонии.

По выражению Ференца Листа (1811-1886), автора программных симфоний «Фауст» и «Данте», «музыкальные шедевры все чаще сращиваются с шедеврами литературы».

Бурное развитие программности порой ставило под сомнение судьбы инструментальной симфонии. Вагнер утверждал, что такая симфония, пренебрегающая выразительностью слова, уже исчерпала себя. Лист выдвинул ей на смену принципы созданной им одночастной симфонической поэмы.

Альтернатива программному симфонизму. Творчество Брамса, Брукнера, Малера

Скептицизм ревнителей программности был блестяще опровергнут немецким композитором Иоганнесом Брамсом (1833-1897). Он продолжил традиции инструментального классического симфонизма, соединив их с достижениями романтической поэмности.

Тем же путем пошел французский композитор Сезар Франк (1822-1890), автор вдохновенной 3-частной Симфонии ре минор.

Большой вклад в развитие симфонического жанра внесли австрийские композиторы Антон Брукнер (1824-1896) и Густав Малер (1860-1911). В их произведениях подтвердилась жизненность законов музыкальной драматургии. Брукнер создал 9 монументальных, глубоких по содержанию и тем не менее непрограммных симфоний.

Еще дальше пошел Густав Малер, давший разнообразные решения симфонического цикла. Среди 10 его симфоний есть произведения из двух, четырех, пяти и даже шести частей. Есть симфонии чисто инструментальные и с участием хора.

Национальные симфонические школы

Дальнейшее развитие симфонического жанра — многообразие — предопределило возникновение новых национальных симфонических школ. Каждая из них стала свежей струей в полноводной реке мирового симфонизма. Оригинальные, неповторимые в своем национальном убранстве симфонии создали чех Антонин Дворжак (1841-1904), финн Ян Сибелиус (1865-1957) и многие другие композиторы из разных стран.

Богатством могучих индивидуальностей поражает русская симфоническая музыка. Ярчайшим явлением культуры стали симфонии П.И. Чайковского (1840-1893) – инструментальные драмы о человеческой жизни. Бетховенская обобщенность и конфликтность соединились в них с пылкой задушевностью.

Традиции лирико-драматического симфонизма Чайковского своеобразно преломились в творчестве С.И. Танеева (1856-1915), А.Н. Скрябина (1872-1915), С.В. Рахманинова (1873-1943). Родоначальником былинного, богатырского симфонизма – симфонизма «крупного штриха», монолитных образных пластов и уравновешенных контрастов явился А.П. Бородин (1833-1887). Ряд самобытных лирико-эпических симфоний создал А.К. Глазунов (1865-1936).

XX век. Симфония и искусство модерна

Глазунов, Скрябин, Рахманинов писали свои симфонии уже в XX веке, в условиях, когда искусство модерна ставило под сомнение создание значительных произведений крупных форм.

Большие трудности переживала симфония и в Европе, и в Соединенных Штатах. Впрочем, «неуютно» было и другим монументальным жанрам искусства – роману, драме, опере. Они оказались по плечу лишь тем художникам, кто не утратил веру в человека и человечество, в общественное предназначение искусства.

В сложных, противоречивых исканиях создавали свои симфонии Пауль Хиндемит (1895-1963), Артур Онеггер (1892-1955) и другие композиторы первой половины XX века. Гуманистическое содержание их произведений, широта и стройность форм перекликаются с лучшими традициями классического симфонизма.

Значительный вклад в развитие симфонического жанра внесли и советские композиторы. Социальные и политические преобразования, богатые национальные традиции народов, населявших СССР, создали благоприятную почву для расцвета симфонической культуры.

Величавые симфонические фрески о значительных исторических событиях звучат в творчестве Дмитрия Шостаковича. Среди них – Седьмая «Ленинградская» симфония, Одиннадцатая симфония («1905 год»), Двенадцатая симфония («1917 год»). Оригинальное развитие получила лирико-драматическая симфония. Н. Мясковский, Д. Кабалевский и Т. Хренников придали ей гражданственное звучание, расширили привычные границы жанра. Симфонии С. Прокофьева дали новую жизнь традициям эпического и лирико-эпического симфонизма.

Архив нот

Статистика нотной библиотеки:
Композиторов – 115.
Файлов – 313.
Размер файлов – 155.3Mb.

Читайте также:  Доклад про Гусли (музыкальный инструмент сообщение 2, 3 класс)
Ссылка на основную публикацию